El cubismo y la comparación los cuadros de picazo y Fernando llort

Pablo Picasso y el cubismo tuvieron influencia, y El Salvadoreño y reconocido Fernando Llort.

Hoy en día el arte ha tenido un gran desarrollo en nuestro país que se an ido adaptando mientras pasa el tiempo, así también es como damos a conocer nuestros sentimientos y de manera constante e innovador para que podamos ser aplicados en las pinturas igualmente en el arte como también la música, la literatura, etc.

A principios de los años 1970, en El Salvador se desarrollaban importantes transformaciones políticas bajo los regímenes militares en turno. Con los primeros artesanos comenzó el trabajo con los materiales rústicos de la zona: la misma semilla de copinol y la madera de pino, cuyos dibujos eran pintados con témpera y posteriormente barnizados. Debido a la demanda de las artesanías, que además dio origen al «estilo palmeño

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones.  Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

Así también es conocido Fernando Llort, por sus famosas obras: tiene influencias modernistas y del arte pop. Sin embargo, se impregna de la cultura tradicional con matices precolombinos y prerrenacentistas y a su manera ha incluido lo étnico, lo local y lo religioso, que conforma un mundo idealizado, similar a la comunidad que él mismo debió haber imaginado en La Palma. Su trabajo desconoce las fronteras entre el arte culto y popular, y ha tenido prioridad la función social, la enseñanza y el beneficio comunitario. Los materiales utilizados en sus creaciones han variado a través de los años. En sus inicios usó el collage, así como materiales tridimensionales con tendencia a la abstracción. Durante su estadía en La Palma aplicó la témpera barnizada sobre madera. En los años 1980 elaboró paneles hechos de estireno, así como grabados. Posteriormente volvió a la cerámica y también ha realizado trabajos en vidrio. Las temáticas que han estado presente a lo largo de su carrera pueden resumirse en tres aspectos: la identidad, lo religioso, y el idealismo; que se representan con los dibujos de casas, figuras con brazos abiertos, el sol, y la armonía en el conjunto, entre otros. Fernando Llort no hizo siempre pintura, también hizo trabajos de pop art. En una entrevista manifestó que la guerra civil le inspiro a cambiar la temática de sus pinturas, ya Fernando Llort es un gran reconocido a nivel nacional como internacional por sus detalles en cada pinturas eso lo reconoce como tal.

Neo romanticismo Salvadoreño es bueno o es malo?

En el salvador esto tiene repercusiones tanto positivas como negativas ya que hay personas que esto los afectan para su vida por que les permite estar en un mundo totalmente diferente escuchan música totalmente diferente y así en muchas cosas y esto prácticamente se da en los jóvenes

El neo romanticismo es una corriente compositiva contemporánea que desarrolla estructuras compositivas de finales del romanticismo pero con nuevos elementos musicales y tanto la literatura.

La literatura ha sido uno de los eslabones más importantes en la cadena de transferencia de conocimientos y experiencias en las diferentes sociedades que se han ido desarrollando a lo largo de los siglos, jugando un papel fundamental en la evolución del desarrollo del pensamiento y cultura desde la lejana Europa hacia el nuevo mundo, América; teniendo Europa el orgullo de haber expandido sus idiosincrasias hacia nuevas tierras, que sin su base, no podrían ser lo que son hoy, ya que ocupan un lugar importante en la literatura contemporánea, y pudiendo así también, dar a conocer al resto de las clases sociales, la realidad a la que ellos estaban ajenos, ya sea clase alta, media o baja, formas de vida de campesinos o gente de mundo, con sus paisajes rurales, experiencias urbanas y formas de lenguaje característicos de cada región, zona geográfica o nivel cultural. La literatura desarrollada durante el siglo XIX y XX con sus movimientos, géneros y subgéneros separados por época, país y continente. También se detallará y hablará más a fondo de los diferentes tipos de movimientos como el romanticismo, realismo, naturalismo, modernismo, mundonovismo, neoclasicismo, surrealismo, superrealismo con sus principales representantes y las obras más características de Europa, Hispanoamérica; así también se ha considerado exponer sobre las épocas, Contemporánea, Siglo XIX y XX, dando especial importancia al movimiento y género literario, narrativo, lírico y dramático, con cronologías comparativas.

Movimiento literario del siglo XIX en Europa: Durante el s. XIX en Europa, predominaron 2 movimientos Literarios, con una gran importancia; el primero, llamado Romanticismo, que fue más que un movimiento literario, una reacción contra el racionalismo y el neoclasicismo, dos movimientos literarios importantes del siglo XVIII.

ROMANTICISMO: Este movimiento surge, en Europa, por la necesidad de dar a la literatura, una mayor variedad, libertad, movimiento, sentimiento y fuerza humana a la actual literatura. Las principales características de obras de estos escritores, son la belleza, imaginación y libertad unidas a una concepción panteísta de la naturaleza. Los temas predominantes en la novela Romántica del s XIX en Europa son: históricos, religiosos y personales, donde el destino del hombre hace que surja un determinismo y pesimismo romántico , donde estos se pueden ver claramente en los escenarios donde ocurren los acontecimientos , que son lugares lúgubres e inhóspitos, como por ejemplo, cementerios, mar enfurecido, noche, paisajes con luna, tormenta; características, temas y acontecimientos completamente contrarios al renacimiento.

NOVELA HISTORICA: dentro del romanticismo, podemos identificar un subgénero, bastante utilizado por los escritores románticos: La Novela Histórica, novela basada en hechos o acontecimientos históricos de una nación; como principales representantes podemos en diferentes segmentos.

El romanticismo llegó a Hispanoamérica medio siglo más tarde de lo que empezó en Europa, ya que cuando este estaba empezando en Europa, acá en el nuevo mundo, recién nos estábamos tratando de acomodar a la ilustración y al neoclasicismo. A pesar de que el romanticismo hispanoamericano, tuvo las mismas características que el europeo, América le incluyó un ingrediente especial, genuino y particular, la naturaleza, en su grandiosidad y variedad; esta contribución favoreció el sentimiento de búsqueda de las propias idiosincrasias. El romanticismo, llegó a Hispanoamérica con el escritor argentino Esteban Echeverría, quien vivió en París durante la época del romanticismo europeo, y así trajo al nuevo mundo el movimiento literario del que se ha estado hablando, con la publicación de la obra colección de poesía romántica en 1830. Dentro del Romanticismo, podemos identificar tres núcleos dependiendo de las diferentes formas de expresión.

Pos modernismo Graffiti

Se  llama Graffiti o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano.

Una de las manifestaciones más llamativas, y a la vez despectiva, de las pandillas son las "pintas" conocidas en la cultura estadounidense como "graffiti", que se pueden encontrar en muchas ciudades de El Salvador y casi en todo el mundo. Pero, ¿qué pasaría si el graffiti fuera considerado un arte, capaz de expresar mensajes positivos a la sociedad, hasta convertirse en una forma de comunicación social?

En El Salvador, el graffiti es una especie de “tatuaje social” o “piel ambulante”, utilizada para el reclamo. En varias zonas de la capital se encuentran muestras de arte y rebeldía de jóvenes que de un modo expresivo piden un espacio en la sociedad, como es el caso de fachadas de casas, muros en una avenida, puentes, escaleras, anuncios espectaculares.

Toda superficie a la mano se convierte en un lienzo donde los graffiteros, como les llaman a las personas, pintan y marcan, dejando constancia de una visión estética diferente.

Inicios del graffiti un joven griego llamado demetrius que trabajaba de mensajero en nueva york, el pintaba sus firmas a todos los lugares en donde iba a entregar sus paquetes su marca era TAK 183, de ahí en adelante muchos jóvenes con tendencias hip hop y rap lo imitaron y así fue como nació lo que ahora llamamos Graffiti y se convirtió en un movimiento gigantesco.

Este graffiti  etsa ubicado cerca de la Universidad Tecnológica, y me llama mucho la atención las dimensiones de este, estos chavos quisieron plasmar sus rostros, lo que me puso a dudar una de las más grandes características del graffiti como lo es El Anonimato, lo que quiere decir que estamos desarrollando una cultura en la cual esto es apreciado, quitando estereotipos de que un graffitero es un vago, lo segundo la escenidad , la ubicación perfecta para un graffiti de esa inmensidad, el centro a decir verdad al ver el graffiti completo es una obra bien elaborada.

La expresividad que muestra cada uno le da el toque urbano, siendo estas expresiones de ellos mismos.

Con spray e imaginación, los autodenominados “artistas de la calle” realizan un paisaje con diversas imágenes para expresar lo que sienten

En la mayoría de las opiniones coinciden que es una forma de expresión, algunos reconoces su alta representación del arte y otros lo ponen en duda por el tipo de imagen que se haya pintado. Pues el país tiene un rango de delincuencia y violencia muy elevado, por lo que el grafiti es difícil de aceptar o asimilar en nuestra sociedad, aunque no se deja de atribuir la calidad que los grafitis alcanzan. La mayor aceptación se encuentra en las edades de 12 a 30 años.

comparar el cuadro de Lenin y el cuadro del grito de la independencia

En este cuadro de comparación se encuentra la vanguardia y la tradición. Como elementos estratos se combina con la aparición de elementos figurativos, La caballería, pintada en el rojo socialista, aparece en un paisaje desolado y vacío. Las bandas de color aíslan aún más las únicas figuras que aparecen. Podemos imaginar su marcha a través de la fría estepa rusa. los bolcheviques  liderados por Lenin llegaron al poder en octubre de 1917 iniciaron un  programa revolucionario basado en la distribución de la tierra y nacionalización de bancos e industrias. Además llevaron a cabo su decisión de retirarse de una confrontación, la I Guerra Mundial, que sólo estaba provocando más pobreza y muerte en el país. Efectivamente la “nueva Rusia” sufriría pérdidas territoriales que Lenin reconoció como bochornosas pero necesarias para salir de una guerra que para los comunistas sólo obedecía a intereses capitalistas, Lenin prefería centrarse en consolidar la revolución en el interior del país. Por otro lado, los opositores al nuevo régimen contaban  con el apoyo de otros países  que temían que la revolución se extendiera más allá de las fronteras rusas. Estados Unidos, Japón, el Imperio británico y Francia dieron su apoyo directamente, Con la guerra civil, el gobierno de Lenin puso en marcha una nueva política económica: el

comunismo de guerra que daba prioridad al ejército. La población sufrió muchísimo. De 1921 a 1923 se puede hablar de una auténtica situación de hambruna. Las reservas de grano y otros alimentos eran confiscados por el gobierno. El hambre será también un medio de represión. La guerra civil causó  un  incontable número de víctimas tanto civiles como militares entre 1918 y 1923. Se calcula que nueve millones de personas perdieron la vida.

Se hizo necesario profesionalizarlo y Trotsky fue nombrado Comisario de Guerra con el objetivo de crear un ejército de obreros y soldados sometido a una férrea disciplina.  Se llevaron a cabo levas forzosas entre el campesinado y se designaron comisarios que velarían por mantener la moral alta entre las tropas y por vigilar la fidelidad al régimen. Los desertores eran fusilados y las familias tomadas como rehenes para forzar la obediencia.

Hubo un proceso de independencia para la Formación de república Federa centroamericana, se hace necesario estudiar un momento crítico en la Historia de El Salvador y Centroamérica, el cual es su “independencia” del imperio Español.

El proceso de independencia estuvo influido por varios factores, pero en este esbozo se mencionaran los más influyes en este proceso. También en esa época existió un pensamiento liberal Como primer factor que se hablara será del cambio en las ideas, lo cual se podría llamar como “Globalización del pensamiento Liberal”, este pensamiento liberal fue conocido como “Ilustración”, cuyo término trataba de recalcar la fuerza dominante que la razón hutenía sobre las creencias religiosas, ya que en el siglo XV la explicación de todos los  problemas se buscaban en la religión. Como ejemplo de estos pensadores, con sus ideas de que la tierra giraba a rededor del sol, Esto dio lugar a que surgieran más pensadores independientes a la religión. Es más, fue surgiendo un pensamiento científico en la observación de la Naturaleza, esto dio lugar a la aplicación de la razón en las relaciones sociales.

Ruta Gaudí en Barcelona comparar con la iglesia del rosario

La Barcelona de finales del siglo XIX, la de la Exposición Universal de 1888, era una ciudad en efervescencia en la que la arquitectura vivía un momento notable. La arquitectura se convirtió en aquellos años en un signo de estatus social de la próspera burguesía de la época. Tener una casa modernista significaba figurar, estar al día en los círculos sociales

La ciudad de Barcelona, capital de Cataluña, fue el principal escenario en el que Antoni Gaudí, el gran arquitecto y decorador modernista, desarrolló su genio. Desde sus primeros encargos modestos hasta los edificios que la UNESCO declaró Patrimonio Mundial, las huellas del arquitecto de Reus son uno de los principales atractivos de Barcelona.

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que debían hacer.

En cambio si hablamos de la iglesia que está en el centro de san salvador, la cual conocemos como la iglesia del Rosario. Tiene estructuras como las de la Gaudí en Barcelona

Desde 1971, la iglesia El Rosario es un patrimonio religioso de los salvadoreños como una de las últimas iglesias construidas en la capital, que conserva un diseño arquitectónico moderno, enriquecido con influencia europea y única a nivel del continente. Inicialmente, este sitio sostuvo la histórica Iglesia Parroquial de San Salvador, cuyo constructor fue el presbítero y prócer de la independencia José Matías Delgado en el siglo XVIII. Se dice que la edificación era a base de madera pero que, lamentablemente, fue consumida por un incendio, razón por la cual el arquitecto y escultor Rubén Martínez, diseñó una innovadora edificación en 1962.

Martínez es el creador de monumentos importantes del país, como la Plaza de la Constitución, el Monumento a la Paz, y otras obras arquitectónicas. En comparación a otros templos, la iglesia no tiene pilares que obstaculicen la visibilidad de los fieles hacia el altar y las vistosas imágenes religiosas que destacan en su interior.

La estructura de esta iglesia es inigualable he incomparable ya que en ningún lugar del país hay otra estructura similar o parecida, y están importante para los capitalinos tener un patrimonio tan merecedor de admiración incluso no solo para los salvadoreños sino también para los extranjeros vienen y deleitan su mirar y visitan estos patrimonios culturales y de tan bella estructura

Hablar de este tipo de iglesias es hablar de trabajos muy bien  estructurados Podemos ver que estas dos formas del modernismo son iguales porque en la ruta Gaudí en Barcelona podemos ver edificios que poseen unos vitrales hermosos que cautivan a todo el que la visita así mismo podemos notar que los dos lugares se parecen ya que la iglesia el rosario su atractivo principal es su peculiar estructura

Diferencias y similitudes entre Fernando Botero y Greco

Botero decidió a experimentar, y se puso a hacer esculturas a su modo, se desnudó, literalmente, para manipular los barros húmedos y los plásticos hervientes, y a su manera y a su gusto fue organizando el sistema de trabajo que lo ha absorbido últimamente él se enfocaba que esto era un trabajo colectivo, el escultor requiere la colaboración de toda una serie de pericias artesanales y técnicas. Se dice que botero se pasó la pintura a la escultura.

Para botero era una dicha de tocar la realidad nueva que uno cree, pues claro e; el escultor requiere la colaboración de toda una serie de pericias artesanales y técnicas esta que él le daba la ilusión de la verdad a cada cuadro que el creaba, en su cultura en verdad eso se creaba su escultura, Obviamente, esa asimilación carece de validez conceptual, pero en la práctica es así. El cubismo, el surrealismo (pictórico), el obstruccionismo, el expresionismo abstracto, etcétera, se adentraron todos, en una u otra forma, en lo que el hombre del siglo XX consideraba la concreción del arte moderno; por los motivos que fuesen, la escultura no corrió con la misma suerte. Ahora, Fernando Botero se ha consagrado a la escultura. Con perseverancia, con seriedad tales que no permiten en modo alguno aventurar la conjetura de que se trata de un experimento efímero. Y, lo que resulta doblemente curioso, esa escultura reproduce tanto la pintura como el mundo de Botero. Partimos de la creación estética de dos artistas plásticos distantes y distintos en el tiempo, en el espacio, y en la forma cómo transmiten al público receptor su visión tanto de la realidad circundante como de la mitología clásica o de los temas religiosos, y que presentan similitudes en la interpretación de los textos visuales en tanto que los distorsionan, y abogan por una ruptura del canon clásico.

Diferencia de botero:

Es la percepción de cada persona o espectador que la está observando, y se relaciona con el hecho mitológico.

Se considera botero no solo relaciona el hecho mitológico, sino que hace sus pinturas.

Si nos ponemos a pensar y ponernos la idea ambas presentaciones plásticas por el exceso en las representativas presentaciones que botero y greco hacen en lo mitológico.

Botero se dirige en pintar gordas y gordos por querer ser diferente a los demás pintores quería llamar la atención por esos tipos de pinturas que el creaba, si él hubiera copiado o pintado tal y como vemos las imágenes, estaría copiando a los demás pintores.

Greco:

El estilo de Greco se caracterizaba por su afición al cromatismo intenso; a las figuras estilizadas.

El Greco llegó a deformar para que transmitiesen una fuerte impresión de misticismo y religiosidad; y por último al dinamismo de la composición, siempre dividida en diferentes planos y relieves y sujeta a los efectos de una luz intensa, casi violeta, que suele radiar de un punto focal centrado.

También greco se dedicaba a trabajar sobre modelos de barro que él mismo solía fabricar sobresalían los de temáticas religiosas.

Greco, las pinturas de él está simplemente basados un poco al manierismo, tiene características de ello, como pinturas de formes, en algunas no se puede ver su formas y los rostros de cada pinturas de las personas que el mismo crea de igual manera se ven un poco distorsionadas. Es como un arte oscuro y triste a la misma vez en eso se puede entender esas pinturas.

Diferencias  de  Greco:

Si algo se caracteriza de Greco son el tipo de estilo que le agrega cada vez más dramático y oscuro son figuras con cabezas pequeñas y cuerpos alargados, Greco lo define y creía que las personas altas son más bellas, es así que en eso se basada sus pinturas. Humanismo: Fenómeno cultural de estudio y asimilación de la cultura clásica greco-latina que se desarrolla en el siglo XV. Momento concreto histórico, artístico, literario, representativo de las letras, de la belleza, de la armonía.

Es en esta época, cuando se produce un cambio en el que el hombre será el centro de todas las disciplinas. El término Humanismo aparece tardíamente y, por primera vez, en el Aoristo, en el siglo XVI. Es la base teórica sobre la que se fundamenta una eclosión literaria importante. Previo al humanismo, hay una base en Petrarca y muchos autores piensan que es aquí donde comienza el Humanismo.

-Se basaba en pintar figuras que no estaban detallas.

-Las personas que pintaba en simple vista se notaban distorsionada.

-Su arte simplemente era oscuro y triste.

Diferencias y similitudes entre Leonardo y Bosco.

Se sabe que Leonardo y Bosco son de las pinturas más antiguas, de igual manera son llamadas bellas artes, son de las pinturas con gran expresión artística por sus bellos colores con una gran identificación humana, esas pinturas de Leonardo y Bosco son como una pinturas con categoría universal que comprende todas las creaciones hechas en distintas superficies que existen en el mundo y con sus buenos dones de cada uno. La historia de la pintura ha tenido un desarrollo cronológico  y estadístico paralelo de gran medida al resto de las artes plásticas La historia de la pintura ha tenido un desarrollo cronológico y estadístico paralelo en gran medida al resto de las artes plásticas, si bien con diversas particularidades en el tiempo y el espacio debidas a numerosos factores, desde los derivados de las diversas técnicas y materiales empleados en su confección hasta factores socio-culturales y estéticos, ya que cada pueblo y cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos conceptos de plasmar la imagen que recibe del mundo circundante.

La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco, temple) o de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede clasificarse según su género (retrato, paisaje, bodegón, etc.). Plasmar toda la historia de la Pintura es materialmente imposible, por lo que en este artículo intentamos resumirlo de la mejor manera posible. La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que se han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales. No fue hasta el siglo XVI que empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades.

Actualmente se entiende como estilo aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. También cabe tener en consideración para el estudio histórico de la pintura su clasificación en diversos géneros: un género artístico es una especialización temática en que se suelen dividir las diversas artes.

En la actualidad se consideran como principales géneros pictóricos: retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina, pintura de mitología, pintura de historia, pintura religiosa y pintura de género.

Bosco, generalmente se basada por medio un sinfín de personas que murieron en un pajar, entonces desde pequeño el vio como las gente morían y sus vecinos pudieran hacer nada por detener las llamas y de ahí en ese omento el actúa de un modo anormal, entonces a la otra noche siguiente su abuelo lo observo que el pintaba el abuelo le preguntaba que donde había visto eso que dibujaba en aquellas tablas y él le dijo que fuera, en el lugar del incendio. Cuando el abuelo miró aquel cuadro, lo que allí vio era una escena dantesca como si fuese una parte del infierno, en aquel cuadro se contemplaba como unas gentes vestidas de largo luto se llevaban los pedazos calcinados de los muertos en carretas. El desde pequeño comenzó a pintar cuadros macabros y se metía en lugares donde habían con más dolor y sufrimiento el veía cosas que nadie podía ver, en su mente el veía el infierno y es así que por medio de eso el plasmaba así sus pinturas y cuadros, Desde ese tiempo hasta los días.

Entonces el pintaba basándose al sufrimiento el veía imágenes de mucho dolor es por eso que se imaginaba por medio de ello crea sus lienzos, también Representa el dominio de la lujuria en el mundo, descrita a través de todo tipo de relaciones sexuales, manifiestas de una forma rotunda: cuerpos desnudos de hombres y mujeres, blancos y negros, se mezclan, se tocan, bailan..., en parejas, en grupos, heterosexuales, homosexuales, onanistas. Así podemos ver en sus pinturas como está plasmado el sufrimiento y el desorden que él pensaba que en sí estaba pasando. El Bosco refleja los pecados a los que se abandona la humanidad tras la caída del pecado original, poniendo el énfasis en el pecado de la lujuria.

Es así que los pintores Leonardo y Bosco, ellos usaron sus mejores técnicas ya hoy en día son reconocidos a nivel mundial, ambos supieron llevar a otro nivel donde ningún otro artista puede llegar, es así que en lo personal son unos exponentes de las pinturas universales.